"Top ten" de representaciones biomorfas en los petroglifos venezolanos

En esta entrega les presentamos un "top ten" de representaciones biomorfas en los petroglifos venezolanos, tomando en cuenta los elementos formales, sobre todo la composición. Seleccionamos una imagen visual por cada paisaje con arte rupestre (no todos) del país, lo que implicó necesariamente dejar fuera diseños relevantes que bien podrían formar parte de una lista igualmente válida. Los nombres de las representaciones son meramente referenciales, pero algunos derivan de la memoria oral de las comunidades locales aledañas.

El propósito de este ejercicio es generar discusiones y debates entre quienes estudian y valoran el arte rupestre en Venezuela desde diferentes perspectivas, además de poner al descubierto a un público no especializado el alto grado de esteticidad que contienen sus representaciones visuales. 

No se trata de una valoración de diseños sobre otros. Se trata más bien de subjetividades, no de elaborar listas definitivas o exhaustivas. Pero también, ofrecer una muestra representativa que permita reconocer y admirar la estética de los petroglifos en Venezuela. Incluso el orden en que se presentan no significa ninguna jerarquía en especial. Cada diseño presentado nos hace pensar la diversidad formal y técnica, los estilos y elementos visuales utilizados por las culturas amerindias originarias en la producción de petroglifos. Todo ello, asumimos, merece una especial atención en términos de la valoración de nuestros legados histórico-patrimoniales.

Dicho esto, pasamos entonces a la acción. Esperamos les guste la selección!

1. El "Búho de San Hilario" (mcpio. Petit, edo. Falcón)   

Este diseño se asemeja a una rapaz nocturna (búho, lechuza, etc.) que sorprende por su carácter naturalista. Es estilizado, con un cuerpo compacto y una cabeza prominente, sencillo pero claramente identificable como un ave, posiblemente un búho, dado el enfoque en los ojos y la forma general del cuerpo.

Foto: Gustavo Pérez, 2007.

Los ojos circulares son la característica más destacada del diseño, lo cual es típico de las representaciones de búhos en el arte visual. Estas aves son conocidas por sus grandes ojos, asociados a su excelente visión nocturna. Ello sugiere una especial atención a la visión y al simbolismo relacionado con la capacidad de observación y percepción, cualidades asociadas frecuentemente a los búhos en muchas culturas. Entre los ojos, parece haber un área que podría interpretarse como un pico. Aunque está menos definido que los ojos, sugiere la forma triangular característica del pico de un búho.

Fuente: generador de imágenes de Bing.

El cuerpo del "búho" está representado en bajo relieve planar, sin otro detalle interno que una protuberancia que parece simbolizar un ombligo. El cuerpo podría ser una estilización para simplificar la figura del animal, concentrando la atención principalmente en la cabeza. Esto es particularmente evidente en tanto que no hay indicaciones de alas extendidas, reforzando también la idea de que esta representación está centrada en una postura estática, como si el ave estuviera posada.

Aunque no están claramente definidas, los motivos inferiores del diseño pudiera sugerir la presencia de patas, cortas pero fuertes, reflejando la capacidad del búho para capturar presas con sus garras.

Foto cortesía Gustavo Pérez (a la derecha). Año 2007.

En suma, el "Búho de San Hilario" posee un alto grado de simetría, especialmente en la disposición de los ojos y la cabeza, lo que sugiere que el artista quiso transmitir una representación equilibrada y clara. Es un diseño extremadamente estilizado y simplificado, subrayando los aspectos más icónicos del búho, como su capacidad de observación, su presencia imponente y su simbolismo como guardián de la noche o del conocimiento espiritual. Este análisis pre-iconográfico sugiere que esta representación está ligada a su carácter simbólico, más que a una representación naturalista del animal.

2. El "Hombre-jaguar de Carmen de Uria" (parroquia Naiguatá, edo. Vargas) 

Tenemos un diseño claramente antropomorfo, con una estructura corporal bien definida que sugiere un ser humano. Está de pie, con los brazos extendidos hacia los lados y las piernas separadas, lo que le da una postura abierta y dominante.

Calco del autor (2003).

Destaca, en primer término, el patrón de líneas radiales que parecen emanar desde la cabeza, pudiendo interpretarse como una corona o tocado, otorgándole al ser representado aires de poder o autoridad. Luego tenemos el cuerpo decorado con patrones geométricos triangulares con puntos internos que forman una especie de red o armadura que cubre el torso y el abdomen, parecidos a las manchas de un jaguar. Las líneas internas del cuerpo siguen un patrón repetitivo, creando una sensación de estructura y orden dentro de la representación.

Fuente: generador de imágenes de Bing.

Los brazos y las piernas están representados de forma simple y estilizada, con dedos claramente delineados. Esta atención al detalle en las extremidades sugiere que el artista quiso enfatizar la función o el poder de manos y pies. Los dedos parecen estar extendidos, y tanto piernas y pies se asemejan a los de un reptil. Por último, parece poseer una especie de artefacto sostenido por una mano, quizá un símbolo de poder o autoridad.

Foto: Gustavo Pérez (2003).

Resumiendo, el "Hombre-jaguar de Carmen de Uria" denota una representación antropomorfa estilizada. Los patrones geométricos en el cuerpo, el tocado radial y el artefacto sostenido sugieren que se trata de un ser de gran poder, sacralidad y autoridad. La simetría y los detalles de las extremidades refuerzan la idea de que se trata de una figura importante dentro del sistema simbólico o ritual al que pertenece.

3. La "Diosa de la Lluvia de Piedra Pintada" (mcpio. Guacara, estado Carabobo)  

Tenemos un diseño que parece ser antropomorfo, con lo que podría ser interpretado como una cabeza en la parte superior de la imagen, y una estructura más rectangular hacia abajo que sugiere un cuerpo. Los brazos y extremidades, aunque estilizados, aparecen claramente representados con motivos en espiral. Hay formas rectangulares y líneas más rígidas, que contrastan con las espirales más fluidas. El diseño es notablemente simétrico. 

Foto: Néstor Belandria.

La forma ovalada superior ciertamente evoca un rostro, dando pie a su interpretación antropomorfa. En su interior contiene lo que podrían ser ojos y boca. El contorno incluye varias líneas que terminan en espirales y en su parte superior un motivo en espiral doble que parece ser un tocado decorativo. 

El diseño posee una orientación vertical, lo que refuerza la idea de que estamos ante una representación de una entidad de pie o en posición vertical. El hecho de que esté claramente delineado con bordes cerrados sugiere la importancia de mantener los elementos contenidos y bien definidos.

Calco del autor. Año 2000.

Las manos espiraloides están representadas con cierto detalle, y una de ellas parece tener algún artefacto o símbolo adicional, propio de su contexto cultural de creación. Estos elementos en espiral refuerzan la idea de que el diseño no es simplemente figurativo, sino que también tiene un fuerte componente simbólico. 

Foto: Luis Ureña, 2020

En suma, la "Diosa de la Lluvia" es uno de los diseños rupestres que no podían faltar en este "top ten". Juzguen ustedes dejando sus comentarios.

4. El "Dariwa del río Negro" (edo. Amazonas, límite Brasil-Venezuela)

Estamos en presencia de un diseño claramente antropomorfo, aunque de manera estilizada y geométrica. Presenta una cabeza romboidal, brazos y piernas esquematizadas y un cuerpo rectangular o cuadrado que contiene patrones geométricos complejos en su interior, formando una serie de líneas entrelazadas o en zigzag que crean una sensación de profundidad y movimiento. Las líneas del cuerpo parecen seguir un patrón que va desde los bordes externos hacia el centro. 

Fuente: Suárez, 1997-2004.

El diseño es altamente simétrico, tanto en sus elementos verticales como horizontales. Esto refuerza la idea de equilibrio, pudiéndose observar un patrón repetitivo en las líneas del cuerpo. Este patrón crea una sensación de estructura y organización.

En la parte superior se observan dos líneas verticales que salen del cuerpo en paralelo para luego curvearse en los extremos, pudiendo interpretarse como algún atavío simbólico. La cabeza tiene detalles faciales específicos como ojos, nariz, boca y pintura facial, afianzando la idea de que hay un contenido simbólico en el ser representado.

Foto: cortesía Antonio Pérez.

A ambos lados del cuerpo se encuentran dos formas que podrían representar brazos o apéndices extendidos. Las extremidades inferiores son igualmente esquemáticas, lo que sugiere una representación simplificada o abstracta de piernas o pies.

En resumen, el "Dariwa del río Negro" es un diseño antropomorfo de cuerpo entero altamente estilizado, de brillante ejecución. Su patrón es geométrico y rectilíneo, dando como resultado una excelente abstracción de la figura humana. Su significado está relacionado con la cosmovisión de sus creadores-usuarios originarios.

5. El "Tigre de Caicara" (mcpio Cedeño, edo. Bolívar)  

En este caso vemos lo que parece representar un animal cuadrúpedo, posiblemente  algún tipo de mamífero. Su morfología incluye una cabeza con orejas puntiagudas, un hocico estilizado y una cola levantada.

Este diseño zoomorfo, aunque claramente identificable como un cuadrúpedo, presenta un alto grado de estilización y abstracción, con un enfoque en patrones geométricos que sugieren un significado más allá de lo meramente figurativo. Las líneas en zigzag y los círculos concéntricos parecen tener un valor simbólico, lo que refuerza la idea de que el animal representado tiene un papel importante dentro de un sistema de creencias de sus creadores.

Versión en Padilla (2024)[1956].

En efecto, dentro del cuerpo del animal se observa una serie de líneas geométricas en zigzag y patrones lineales curvos que siguen una disposición organizada, que parecen tener una función decorativa o simbólica. Las patas también están decoradas con líneas en zigzag, sugiriendo que el diseño del cuerpo y las extremidades está altamente estilizado. Las patas terminan en formas circulares, lo que podría ser una representación esquemática de pezuñas o garras. La repetición de estos recursos (como los círculos en las patas y las líneas en zigzag) enfatiza la importancia de la decoración más allá de una simple personificación naturalista del animal.

La cabeza está estilizada de forma más simple que el cuerpo, con círculos concéntricos que podrían representar los ojos con alguna característica facial decorativa o simbólica. El hocico está representado de manera estilizada, casi como una curva o gancho, lo que sugiere que el diseño se enfoca más en lo simbólico que en lo naturalista. La cola, aunque simple en comparación con el resto del cuerpo, mantiene la continuidad de las líneas curvas, reforzando el dinamismo de la figura.

Fuente: Bendrat, 1912.

En conclusión, el "Tigre de Caicara" es un diseño relativamente simétrico, especialmente en la distribución de las líneas del cuerpo y las patas. Aunque el animal es claramente reconocible como un cuadrúpedo, el estilo abstracto y la geometrización de su cuerpo indican que no se trata de una representación puramente naturalista. El enfoque aquí parece estar en la decoración y el simbolismo, lo que sugiere que el animal podría tener un contenido simbólico importante para el grupo cultural que lo creó.

6. La "Diosa de Tusmare" (mcpio. El Hatillo, edo. Miranda)  

Presentamos un diseño antropomorfo altamente estilizado, con formas geométricas y curvas que delinean lo que parece ser una cabeza prominente y un cuerpo simplificado. La representación se enfoca especialmente en la cabeza, que es desproporcionadamente grande en comparación con el resto del cuerpo.

Registro e infografía: Gustavo Pérez.

El diseño está conformado por líneas simples y fluidas, con un trazo continuo que da forma a todo el cuerpo. La simplicidad del trazo sugiere que no busca el realismo, sino una representación simbólica o esquemática. Es mayormente simétrica, aunque no de forma perfecta. Los brazos y las piernas tienen una disposición relativamente equilibrada, lo que refuerza la sensación de estabilidad en la representación.

La cabeza tiene una forma triangular o de trapecio invertido, con bordes rectos en la parte superior y más curvados en la parte inferior. Esto es un indicativo de la importancia de esta parte del diseño, ya que ocupa la mayor parte de la composición.

Posee ojos grandes circulares con punto central, lo que llama inmediatamente la atención. Las facciones se completan con una nariz alargada a doble línea y un círculo para la boca lineal horizontal. Estos elementos son bastante esquemáticos y están simplificados.

Fuera del contorno de la cabeza se observan formas circulares y angulares, que podrían ser decorativos o tener algún valor simbólico. Brazos y piernas están curiosamente en paralelo, en posición recto horizontal que luego doblan hacia abajo en ángulo recto, terminando en manos y pies formados por líneas que representan los dedos. Son más cortas en proporción al cuerpo, con líneas simplificadas que contribuyen a la estilización del diseño.

Foto cortesía Gustavo Pérez.

En síntesis, la "Diosa de Tusmare" es claro ejemplo de la tipología rupestre preponderante en el centro-norte de Venezuela, donde las formas humanas se simplifican en líneas básicas y rasgos geométricos. El enfoque parece estar en representar no sólo una figura humana sino también elementos simbólicos, denotando la cosmovisión de sus productores-usurario originarios. Las proporciones exageradas de la cabeza en comparación con el cuerpo indican un enfoque en la identidad o el rol de la figura, posiblemente un personaje o ser importante o de relevancia simbólica.

7. Los "Danzantes de Temerla" (mcpio. Nirgua, edo. Yaracuy)

Se trata de una escena conformada por tres representaciones antropomorfas, magistralmente simplificadas con líneas que forman el cuerpo y las extremidades, con una diferenciación mínima en cuanto a detalles anatómicos. Los seres tienen cuerpos esquematizados y estilizados, con cabezas circulares simples sin rasgos faciales visibles. Las extremidades están igualmente esquematizadas, representadas solo como líneas simples. Sus creadores redujeron la representación humana a sus formas más esenciales, lo que podría indicar un enfoque en los gestos o la interacción más que en los detalles físicos.

Versión Wagner y Arvelo, 1984.

Los personajes están colocados en una disposición grupal, dando a entender que podrían personificar algún tipo de interacción o relación entre ellas, como una familia o una escena ritual. Poseen diferentes tamaños, lo que podría indicar una jerarquía (quizás padres e hijos), o representar diferentes edades o roles dentro de un grupo. 

Asimismo, están erguidos y en una postura activa y en movimiento, con los brazos levantados. La posición de los brazos en alto podría estar relacionada con una celebración o adoración. Esto se refuerza al tener las manos abiertas, con los dedos extendidos en una posición que podría interpretarse como un gesto de saludo, invocación o participación en algún ritual. Las manos abiertas también sugieren movimiento o interacción. 

Una particularidad que llama inmediatamente la atención en los personajes son los apéndices lineales que, partiendo de las entrepiernas, terminan en grandes puntos o "bolas" a la altura de los pies (a excepción del personaje central donde la "bola" se ubica a la altura de las rodillas). Se trata de un elemento observado en otros diseños antropomorfos entre Nirgua y valles altos carabobeños y que, por tanto, constituye un rasgo característico de esa región limítrofe por el oriente con la región Tacarigüense. 

Los seres ocupan el espacio de manera equilibrada, con los brazos extendidos hacia afuera, lo que crea un sentido de interacción entre ellas. El uso del espacio parece ser deliberado para mostrar la relación que poseen, como si estuvieran conectadas o participando en una actividad conjunta.

Fuente: Wagner y Arvelo, 1984.

En definitiva, los "Danzantes de Temerla" muestra una atípica relación (escena) entre representaciones visuales grabadas en un mismo panel rocoso. El análisis sugiere que la escena no es completamente estática, aunque los elementos del diseño son esquemáticos y estilizados. Las posturas de los brazos levantados y las manos abiertas indican gestos de acción, lo que puede estar relacionado con una interacción o actividad conjunta entre los seres representados. La postura de los brazos levantados y las "bolas" entre las piernas podrían tener un significado simbólico relacionado con una ceremonia, saludo o adoración. La simplicidad del diseño es típica de representaciones rupestres venezolanas, donde se busca representar más el simbolismo y la interacción que los detalles anatómicos.

8. El "Rostro radiante del Cañón del Sol" (mcpio. Ezequiel Zamora, edo. Barinas)

Tenemos aquí un diseño complejo, posiblemente antropomorfo, con una cabeza o rostro central rodeada por líneas radiantes que emanan de ella. A la derecha, aparecen motivos de aspecto geométrico con puntos y líneas que podrían representar rostros o elementos decorativos o simbólicos. La disposición de los elementos, especialmente los rayos que parecen irradiar desde la cabeza central, sugiere que podría tratarse de una representación solar.

Foto: Miguel Ángel Salamanca.

La parte central de la figura principal parece ser una cabeza o un círculo que contiene elementos faciales básicos (ojos, nariz y boca), aunque estilizados de manera geométrica y simplificada, con líneas horizontales que parecen ser pintura facial. Alrededor de esta cabeza hay una serie de líneas rectas que parecen emanar hacia el exterior, recordando a la representación de un sol radiante. Todo esto sugiere que la imagen no está orientada hacia el realismo, sino más bien hacia un simbolismo visual directo.

El uso de formas circulares y líneas rectas es predominante en esta representación, lo que da una sensación de orden y simetría. El motivo secundario a la derecha, aunque más pequeño, parece equilibrar la composición visual en términos de disposición espacial. Una línea conecta la cabeza principal con un círculo pequeño en la parte inferior, que podría representar un rostro o algún objeto o símbolo adicional.

Foto: José Ignacio Vielma.

En suma, el diseño muestra un claro enfoque en la simetría y el uso de formas geométricas, con una figura central que parece irradiar poder o energía desde su cabeza. Los elementos adicionales, como los puntos y los círculos conectados, pueden representar adornos, símbolos o incluso aspectos rituales relacionados con la figura central.

9. El "Manaure del barrio 19 de abril" (mcpio. Colón, estado Táchira) 

Este diseño se divide en dos secciones principales: una representación antropomorfa en la parte superior y una serie de formas cuadrangulares en la parte inferior. Tal disposición de los elementos sugiere una organización clara, con líneas conectando los diferentes elementos dentro de la composición.

Versión Miguel Ángel Salamanca, 1990.

El motivo principal tiene una cabeza ovalada y un cuerpo delgado, con brazos extendidos hacia los lados y girando hacia arriba. Se representa los brazos con líneas simples que terminan en formas con múltiples ramas, que podrían interpretarse como dedos, aunque están estilizados. Parecen curvarse hacia arriba en un gesto amplio. La cabeza no contiene detalles faciales específicos, siendo simplemente una forma circular vacía unida al cuerpo y los brazos por una línea vertical que evoca el cuello.

El cuerpo es una línea delgada vertical que se ensancha a la altura del abdomen, conectando la cabeza y los brazos con los motivos inferiores. Allí hay cinco formas cuadrangulares con puntos en su interior. La excepción es el primer cuadrado a la izquierda, el cual tiene una apertura en la parte inferior con una línea vertical en su centro. Se diferencia de los demás debido a su forma abierta y su trazo lineal interno, evocando la forma de una vulva.

Uno de los cuadrángulos (el tercero de izquierda a derecha) contiene seis puntos dispuestos en un patrón circular alrededor de un punto central, lo que genera un motivo orbital o radial en su interior. Este patrón lo diferencia de las otras formas cuadrangulares, con tres puntos cada una que evocan ojos y boca.

Foto del autor, 2015.

Las piernas del personaje central conectan con las formas cuadrangulares, creando una fluida interrelación  visual entre la parte superior e inferior de la composición. Esto da la sensación de continuidad entre ambas secciones.

Los elementos y motivos del diseño están distribuidos de manera equilibrada en el espacio. Los motivos cuadrangulares de la parte inferior están alineados horizontalmente y son relativamente del mismo tamaño, creando un ritmo visual constante. La representación antropomorfa, aunque más delgada que los cuadrángulos, ocupa un espacio relevante en la parte superior, balanceando visualmente la composición.

Se observa un uso fuerte de motivos y elementos geométricos: círculos, cuadrados y líneas rectas. Las líneas rectas dominan el diseño, en especial en las conexiones entre el personaje superior y las formas cuadrangulares inferiores.

Foto: Yara Altez, 2015.

En resumen, la composición del "Manaure del barrio 19 de abril" está basada en una combinación de formas geométricas simples y líneas claras que interconectan los diferentes elementos y motivos. El personaje antropomorfo superior y los rostros o cuadrados inferiores están organizados de manera equilibrada, con líneas que conectan a todos los elementos en un flujo visual claro y organizado. El diseño es esquemático y estilizado y se apoya en la repetición de formas y la disposición ordenada de los elementos para crear una composición coherente.

10. Los "Siameses de la Calceta de la Estrella" (Guri, estado Bolívar) 

Tenemos un diseño que parece representar dos seres antropomorfos esquematizados, conectados entre sí y representados de forma simplificada. La unión a través de la parte media del cuerpo crea una sensación de fusión o relación cercana entre ellos.

Fuente desconocida (créditos al autor).

Los cuerpos de los seres están formados por líneas rectas que conectan las cabezas, los brazos y las piernas, generando una estructura angular. Las cabezas son simples cuadrados, sin detalles faciales o internos visibles. Este tipo de simplificación es común en las representaciones rupestres, donde en muchos casos los rasgos faciales no son el foco del diseño. 

Ambas figuras tienen los brazos levantados, extendidos hacia los lados, con las manos representadas por pequeñas ramificaciones o líneas en ángulo. Cada personaje parece tener tres dedos claramente representados en una de sus manos. La posición de los brazos y manos, levantados y abiertos, sugiere una postura activa o de interacción.

Los seres tienen piernas rectas, también esquematizadas en líneas gruesas, que parecen sostener de manera estable los cuerpos. Las piernas son relativamente cortas en comparación con los brazos, y no hay detalles visibles en los pies. Las piernas están alineadas paralelamente, sugiriendo una postura erguida y estática.

El personaje de la izquierda sostiene un objeto en una de sus manos, que podría interpretarse como un instrumento o artefacto. Este objeto tiene una línea interna que crea una división o marco dentro del triángulo. Se trata de un elemento distintivo del diseño y agrega una capa adicional de detalle a las figuras representadas.

Fuente: De Valencia y Sujo, 1987.

Pero lo que inmediatamente llama la atención del diseño es la unión de los personajes representados por la parte inferior de los cuerpos. Parece que comparten una estructura común a la altura del tronco o abdomen, lo que refuerza la sensación de que no son independientes sino parte de un solo diseño cohesionado. Esta conexión entre los cuerpos puede ser intencional para enfatizar la unidad o la relación entre ambos seres.

Tenemos entonces una composición simple, a partir de un trazo continuo y uniforme para delinear las formas básicas. Es asimétrico en cuanto a la relación entre los seres, pero las proporciones entre los cuerpos y extremidades están equilibradas visualmente. La disposición de los brazos levantados y el objeto sostenido en la mano de uno de los personajes crean una dinámica visual, donde ambos parecen participar en una misma acción o interacción.

Se puede concluir que, aunque los personajes son similares en cuanto a la estructura básica, el instrumento sostenido por uno de ellos sugiere que tienen roles o atributos ligeramente diferentes. Las líneas gruesas y bien definidas sugieren un enfoque estilístico que busca claridad visual, sin agregar demasiados detalles ornamentales. 

Palabras finales

Esta selección de diseños biomorfos en los petroglifos venezolanos pone al descubierto un aspecto que generalmente pasa desapercibido en el estudio de estas manifestaciones: la riqueza estética de su diseño. Aunque el enfoque tradicional en los petroglifos se ha centrado principalmente en simples clasificaciones de las imágenes visuales acordes con lo que evoca al observador contemporáneo (antropomorfas, zoomorfas, geométricas, etc.), esta muestra invita a reflexionar sobre la complejidad visual y la composición formal de las mismas. Al elegir una imagen de cada paisaje con arte rupestre, se revela la habilidad artística de las pasadas culturas amerindias venezolanas en la creación de formas que, aunque esquemáticas o estilizadas, logran un equilibrio entre lo geométrico y lo simbólico. Este ejercicio no pretende ser exhaustivo ni jerárquico, sino más bien ofrecer una mirada a la diversidad formal y la alta calidad visual de estos legados históricos, aspectos fundamentales que merecen un mayor reconocimiento en su valoración estética y patrimonial.

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